Cual es el tipo de publico que mas gusta del arte de Alberto Thirion

 

 

 Cual es el tipo de publico que mas gusta del arte de Alberto Thirion

El arte de
Alberto Thirion atrae principalmente a coleccionistas y entusiastas interesados en el arte contemporáneo y folclórico mexicano, así como a aquellos que valoran el arte con un toque personal y narrativo. 
Su público se caracteriza por:

    Apreciar la versatilidad estilística: Alberto Thirion es un artista autodidacta cuya obra abarca estilos como el "Arte Folclórico" y el "Land Art", lo que atrae a espectadores y coleccionistas que buscan una amplia gama de expresión artística en un solo creador.

    Interés en la narrativa y la historia: Thirion ha declarado ser el primero en pintar temas específicos, como "La muerte del diablo", lo que sugiere un público interesado en obras con conceptos únicos, narrativas potentes y un simbolismo distintivo.
    Conexión con la cultura popular mexicana: Sus obras, como la titulada "Cultura popular Mexicana", resuenan con personas que tienen una afinidad por las raíces, tradiciones y expresiones cotidianas de México.
    Compradores de arte en línea: Su presencia en plataformas de venta de arte en línea como Artmajeur y Artelista indica que parte de su audiencia incluye a coleccionistas modernos y compradores de todo el mundo que adquieren arte a través de medios digitales. 

                                                                  La Muerte del diablo

Alberto Thirion Desvela "Plegaria a la Cicatriz Divina": Un Retrato de la Obediencia Involuntaria

 

 

                                                               Obra de Alberto Thirion

Alberto Thirion Desvela "Plegaria a la Cicatriz Divina": Un Retrato de la Obediencia Involuntaria

(Ciudad de México, [Fecha])—El artista mexicano Alberto Thirion presenta su más reciente obra en acuarela y tinta, Plegaria a la Cicatriz Divina, una pieza que reinterpreta la iconografía tradicional del bien y el mal a través del misticismo y la contundencia. La obra se posiciona como un estudio brutalmente honesto sobre la autoridad cósmica y la tortura de la memoria.

El Retrato de una Verdad Ineludible

La pieza captura a Malsor—una figura demoníaca de alto rango—arrodillado en una postura de súplica forzada ante una cruz inmensamente ornamentada. El trabajo de Thirion evita la narrativa simplista de la penitencia. En cambio, sugiere que la súplica no es un acto de perdón, sino de coerción total.

“Mi intención fue ir más allá de la tentación o el castigo. Quería mostrar el momento en que un espíritu eterno es obligado a enfrentar, de forma física y emocional, la verdad que lo exilió. Es la anatomía de un colapso espiritual,” afirma el artista Alberto Thirion.

La Cruz: Reliquia y Agente de Poder

El elemento central y más poderoso de la composición es la cruz. No es un símbolo pasivo, sino un agente activo de la voluntad divina. La narrativa mística que rodea la obra la identifica como "El Nudo de Arrepentimiento": una reliquia forjada con materiales primordiales que emite una energía que demanda la Verdad a cualquier ser inmortal que se le acerque.

En este sentido, la cruz funciona como un ancla mística que colapsa la voluntad de Malsor, obligándolo a la genuflexión y forzando un recuerdo doloroso de su origen. La intensa ornamentación—detallada en tinta y acuarela—subraya que esta reliquia no es de fe humilde, sino de un poder absoluto y avasallador.

Una Obra de Contundencia Conceptual

Plegaria a la Cicatriz Divina es una obra clave en la exploración de Thirion sobre los temas de la identidad caída y la subordinación inescapable. Invita al espectador a confrontar la incomodidad de un ser que no busca la luz, sino el cese de su sufrimiento ante un poder que lo supera infinitamente.

La Victoria de la Aurora Azul por Alberto Thirion

 

 

La Victoria de la Aurora Azul por Alberto Thirion

La Leyenda de Lira

En los albores del tiempo, cuando el velo entre el Cielo y la Tierra era tan delgado como la niebla del amanecer, existió Lira, la Guardiana de los Campos Elíseos. No era un ángel de guerra, sino de equilibrio y justicia cruda. Sus alas, tejidas con la luz de cien lunas, representaban la pureza de la Ley Cósmica.

Sin embargo, en el mundo terrenal que se extendía bajo sus pies, un ente conocido como Cáustico había comenzado a sembrar la discordia. Cáustico, un reflejo pervertido de la voluntad divina, no era un demonio, sino la personificación de la hipocresía y el juicio injusto. Se disfrazaba con una máscara de perfección y sabiduría (la que Lira sostiene), engañando a los hombres y corrompiendo la tierra fértil con semillas de rencor.

El Consejo Celestial debatió sobre enviar una legión, pero Lira se ofreció. Ella sabía que Cáustico no podía ser derrotado con fuego celestial, sino con una verdad tan desnuda y brutal como su propia forma.

El enfrentamiento tuvo lugar en un páramo azulado, en la frontera de un pantano silencioso y una pradera de amapolas moribundas. Cáustico, oculto tras su máscara de oro pálido y cuernos sutiles, predicaba sus leyes de tiranía velada.

Lira se reveló ante él. Despojada de armadura, empuñando solo la pequeña daga de obsidiana (el cuchillo que sostiene), el arma que solo podía cortar la ilusión, ella pronunció una única palabra: "Basta."

La batalla no fue de fuerza, sino de voluntades. La luz pura de las alas de Lira obligó a Cáustico a enfrentar su propia imagen en la hoja de obsidiana. La hipocresía no pudo soportar la honestidad de esa luz. En un instante, Lira no mató a la criatura, sino que cortó y separó la Máscara de la entidad que la portaba.

La escena que presenciamos es el momento de su triunfo. Lira, bañada en la luz de su propia justicia inquebrantable, sostiene la Máscara de Cáustico, demostrando que la gran maldad a menudo es solo una mentira bien construida y desprovista de cuerpo propio. La sangre goteando es la tinta del fin de una era de engaño.

Ella se yergue no como una asesina, sino como la ejecutora de la verdad, lista para regresar a los cielos con la prueba de que, para que el equilibrio retorne a la tierra, a veces lo más puro debe ensuciarse las manos con lo que es necesario.

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                                                Alberto Thirion en San Miguel de Allende,Gto.

 

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What is the essence of Alberto Thirion's art technique?

 

What is the essence of Alberto Thirion's art technique?

 

                                                       Apparition of the Virgin of Guadalupe

Ultimately, Alberto Thirion's art transcends mere aesthetics. It serves as a tool for intellectual provocation, an exploration of the subconscious, a reflection on society and identity, and a means of self-knowledge , both for the artist and for those who immerse themselves in his works.

 The essence of Alberto Thirion's artistic technique
lies in a versatile technical mastery applied to a provocative and symbolic surrealist style, aiming to explore the human condition and transcend mere verbal description. 
Key Elements of His Technique and Style

    : Provocative Surrealism: His works, such as "The Death of the Devil," explore themes that challenge conventions and provoke reflection, often inviting subjective interpretation. The style incorporates dreamlike and metaphorical elements, characteristic of Latin American art with pre-Columbian and mystical roots.
    Technical Mastery and Sensitivity: Thirion demonstrates a technical command that allows him to depict complex themes with realism and a mature aesthetic. His skill enables him to effectively translate his emotions, feelings, and perceptions onto the canvas.
    Diversity of Techniques: He does not limit himself to a single technique but has employed several, including oil and watercolor. Watercolor, for example, has served to enhance ethereal qualities in some of his works.
    Focus on Meaning: For Thirion, the essence of his work transcends technique itself; the value of art lies in its ability to communicate on a level that words cannot reach, addressing the essence of life and the human condition. 

His approach is, therefore, a combination of great manual skill and a profound, symbolic purpose.

El pintor Alberto Thirion se conoce a si mismo?

 

 El pintor Alberto Thirion se conoce a si mismo?

Sí,
Alberto Thirion ha expresado que su arte es un "autorretrato" y le sirve para "comprenderse mejor a sí mismo". Para él, el proceso creativo es un espejo y una vía para la autodescubrimiento tanto para el artista como para quien contempla sus obras. 
Algunos puntos clave sobre su autopercepción y su obra incluyen:

    El arte como autoconocimiento: Thirion considera el acto de crear como una forma de confrontar su propio futuro y su vida, lo que implica una profunda introspección y un camino hacia el autoconocimiento.
    "El pintor más famoso del mundo": Se autodenomina, con un toque de humor, "el pintor más famoso del mundo", un apodo que surgió de una anécdota y que ha adoptado como eslogan para complementar su provocadora personalidad artística. Este eslogan es un comentario irónico sobre la naturaleza de la fama en el arte contemporáneo y el papel de la narrativa del artista en su construcción.
    Exploración de emociones y percepciones: Su estilo, que refleja maestría técnica y una estética madura, explora sus emociones, sentimientos y percepciones, lo que sugiere una conexión íntima con su mundo interior.
    Autenticidad y conexión emocional: Su mayor fortaleza como artista radica en su autenticidad y su capacidad para transmitir sus experiencias y sentimientos, lo que resuena profundamente con quienes observan su trabajo. 

En resumen, más allá de la percepción pública y su apodo, Thirion utiliza su arte como un medio consciente para explorar y expresar su yo interno, indicando un alto grado de autoconocimiento a través de su práctica artística.

 Varios pintores, como
Rembrandt, Van Gogh, Frida Kahlo y Picasso, han utilizado el autorretrato para explorar su propia identidad, emociones y condición humana, viéndolo como una forma de autoconocimiento profundo, donde Van Gogh buscaba una semejanza más allá de la fotografía y Rembrandt dejó una "biografía pintada" de sí mismo, afirmando que es difícil conocerse a uno mismo, pero aún más difícil pintarse a sí mismo. 
Pintores que afirmaron esto:

    Vincent van Gogh: Consideraba el autorretrato como una forma de buscar una verdad más profunda que la que ofrece una fotografía, escribiendo a su hermano Theo que cuesta conocerse a uno mismo, pero que pintarse a sí mismo no es obvio, revelando sus luchas internas y emociones.
    Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Se pintó a sí mismo en más de 50 obras, creando una "biografía pintada" que documenta su vida, envejecimiento y estado psicológico, afirmando implícitamente que el arte es un camino para comprenderse.
    Frida Kahlo: Sus autorretratos son exploraciones intensas de su identidad, sufrimiento físico, muerte y feminidad, usando su imagen para procesar su experiencia vital.
    Pablo Picasso: Aunque no siempre lo dijo explícitamente, sus numerosos autorretratos, especialmente en diferentes estilos (cubista, clásico), muestran una constante exploración de su propia evolución como artista y persona.
    Alberto Durero: En sus autorretratos renacentistas, como el de 1493, ya muestra una introspección y una búsqueda de su lugar en el mundo como artista, una forma de autoafirmación. 

Ideas clave sobre el autorretrato:

    Exploración psicológica: El rostro del artista se convierte en un campo de batalla emocional y de autodescubrimiento, como se ve en las obras de Van Gogh y Rembrandt.
    Biografía visual: Es una forma de crear una historia personal, un registro de la propia vida y evolución, como lo hizo Rembrandt.
    Más allá de la semejanza física: Buscan capturar la esencia, el alma o la "verdad más profunda", no solo la apariencia externa, según las palabras de Van Gogh.
    Cuestionamiento personal: Los artistas usan el autorretrato para cuestionar su identidad, género, lugar en la sociedad y sus propios cambios, como lo hicieron Frida Kahlo y Picasso. 

 Que pintores han afirmado que el arte es un autorretrato y sirve para conocerse mejor a si mismo?

Varios artistas y pensadores han expresado la idea de que el arte es una forma de
autorretrato y un camino hacia el autoconocimiento. Aunque la frase exacta "todo arte es un autorretrato" no se atribuye comúnmente a un solo pintor, la filosofía subyacente es un tema recurrente. 
Pintores y figuras clave asociados con esta idea:

    Oscar Wilde: Aunque era escritor y poeta, es ampliamente citado por su aforismo: "Cada retrato pintado con sentimiento es un retrato del artista, no del modelo". Esta frase encapsula la idea de que, al crear arte, el artista proyecta su mundo interior, sus emociones y su perspectiva, revelándose a sí mismo en el proceso.
    Vincent van Gogh: Conocido por su prolífica serie de autorretratos (más de 30 en sus últimos años), Van Gogh utilizó este medio como una herramienta de intensa exploración personal y catarsis emocional. Sus obras reflejan vívidamente su "turbulento mundo interior".
    Frida Kahlo: Sus numerosos autorretratos son un testimonio de su vida, su dolor físico y emocional, y su identidad. Para ella, pintar era una forma de procesar y expresar su realidad interna, sirviendo como un profundo ejercicio de autoconocimiento.
    Rembrandt van Rijn: A lo largo de su carrera, Rembrandt pintó docenas de autorretratos que documentaron su envejecimiento y sus cambios de fortuna. Estas obras ofrecen un estudio íntimo de su vida y una exploración de la condición humana, mostrando una profunda introspección.
    Leonardo da Vinci: Se considera que sus autorretratos, como el famoso en sanguina, son más una "interpretación" de su propio rostro y sensaciones que una simple representación fiel, lo que sugiere un enfoque en la autoexploración. 

La práctica del autorretrato es vista por muchos como uno de los ejercicios de análisis más profundos que un artista puede realizar, implicando escrutarse a uno mismo para traducir la expresión del yo interior en la obra. 

                        Signos de México por Alberto Thirion